Kryptos. El mayor enigma de los EEUU, casi descifrado

La Agencia de Seguridad Nacional (NSA) de los Estados Unidos ha conseguido descifrar casi en su totalidad el código de la escultura "Kryptos", un código que la CIA fue incapaz de hackear durante años. Un misterio que ha mantenido a los mejores analistas de códigos del mundo ocupados durante más de dos décadas revela que la capacidad de la NSA para romper mensajes cifrados puede ser más efectiva que la de los mejores de la CIA. 

Fotografía de la escultura ubicada en el cuartel general de la CIA 

en Langley, Virginia (Imagen de Jim Sanborn)

Dentro de las instalaciones del campus de entrenamiento de la CIA se encuentra la famosa estatua "Kryptos", la cual fue realizada por el artista James Sanborn en 1988 como una pieza de arte criptográfico que desafía las habilidades de los mejores criptógrafos y analistas de códigos del mundo. La estatua incluye piedras con mensajes en código Morse y otra sección en cobre, granito y madera petrificada: en total contiene cuatro mensajes codificados compuestos de 1.800 letras esculpidas directamente sobre el material en cuestión.

La historia oficial dice que uno de los mejores analistas de la CIA, un tal David Stein, logró descifrar tres de los cuatro mensajes secretos en 1998, diez años después de la instalación de la estatua, y se decía que había sido el primero. Ésa había sido la versión principal de la historia hasta que hace unos días se supo de una visita que hicieron criptoanalistas de la NSA en 1991 a las instalaciones donde se encontraba el "Kryptos", durante la cual copiaron a mano las letras del mensaje para tratar de descifrarlo por su cuenta. 

Los agentes de la NSA trataron de romper el código informalmente durante un tiempo hasta que el entonces director de la NSA, el vicealmirante Mike McConnell, hizo un reto oficial a los miembros del Grupo Z, la división de criptoanalistas y code breakers, los cuales "respondieron con entusiasmo". Utilizando las transcripciones manuscritas de los internos que visitaron la CIA un año antes y echando mano a herramientas informáticas especializadas, el Grupo Z llegó a la conclusión de que el mensaje de la escultura constaba de cuatro partes, cada uno con su código secreto. 

El Grupo Z también descubrió que el artista había colocado algunas faltas de ortografía de manera deliberada, para confundir a los posibles candidatos que buscaran descifrarlo; sin embargo, esta dificultad ha hecho que la cuarta parte del mensaje permanezca cifrada hasta nuestros días. 

    

"A,A", en la Universidad de Houston

La primera parte de la escultura usa un código de sustitución polialfabética utilizando 10 alfabetos diferentes, que forman una frase: 

"Between subtle shading and the abstence of light lies the nuance of iqlusion" 

"Entre la sutil sombra y la ausencia de luz se encuentra el matiz de la ilusión" 

Aquí, "iqlusion" contiene una falta ortográfica intencionada. ¿Qué significa esta frase? Puede hacer referencia al momento de la iniciación, donde se pone a prueba al iniciado que ha vivido siempre en la "ausencia de luz" y que para reconocer el mundo físico como "sutiles sombras" debe superar las pruebas de la ilusión. Parece que Sanborn conocía algo que guarda o tiene relación con la CIA, parece que él ha superado y rasgado ese velo de ilusión que tantas veces nos impide ver la realidad pura. El artista sabe algo y quiere dar pruebas de ello, pero en forma de iniciación ya que no todo el mundo es adecuado depositario de ese conocimiento. Por eso debe superar el enigma.

La segunda parte del mensaje utiliza un código de sustitución polialfabética periódica de ocho alfabetos distintos, que al descifrarse reflejan algo como esto: 

"It was tottaly invisible. How's can possible? They used the Earth's magnetic field.

The information was gathered and transmitted undergorund to an unknow location.

Does Langley knows about this? They should: it's buried out there somewhere.

Who knows the exact location? Only WW. This was his last message.

Thirty-eight degrees fifty-seven minutes six point five five seconds north, seventy-seven degrees eigth minutes forty-four seconds west. ID by rows."

[Era totalmente invisible. ¿Cómo es posible? Utilizaron el campo magnético de la Tierra.

La información se recabó y transmitió bajo tierra hacia un lugar desconocido.

¿Sabe Langley de esto? Deberían: está enterrad@ en alguna parte.

¿Quién conoce la localización exacta? Sólo WW. Éste fue su último mensaje.

Treinta y ocho grados cincuenta y siete minutos seis punto cinco segundos norte, setenta y siete grados ocho minutos cuarenta y cuatro segundos oeste. ID por filas.]

Captura de Google Maps de las coordenadas dadas por el "Kryptos". El edificio donde se encuentra ese Starbucks es el Centro de Inteligencia George Bush

La entrada al Nuevo Edificio del Cuartel General de la CIA, New Headquarters Building (NHB) del Centro de Inteligencia George Bush. 

Google Maps no da ninguna información sobre este centro y a la opción "¿Qué hay aquí?" pinchando sobre ese punto que marcan las coordenadas, sólo sale la dirección: 1000 Colonial Farm Road. Y es en esa dirección donde se encuentra este edificio de la Agencia Central de Inteligencia (CIA). Está situado también al lado del Museo de la CIA, pero éste no se puede visitar. Y adivine el lector: el Centro de Inteligencia George Bush tiene numerosas cámaras subterráneas, de las que habla el "Kryptos": bajo tierra está la información, "está enterrada en alguna parte." 

Pero volvamos a ese segundo mensaje de la escultura: los recientes documentos públicos afirman que ese WW se refiere a William Webster, pero no dicen nada acerca de quién es, o era, ese hombre. El "Kryptos" refiere que "éste fue su último mensaje". Pero buscando relaciones entre William Webster y la CIA sólo sale un nombre: el señor William Hedgcock Webster, un antiguo juez federal que fue ascendiendo en su carrera por sus éxitos en la lucha contra el crimen organizado y las familias de la mafia de Nueva York durante el gobierno del presidente Carter. Fue director de la Oficina Federal de Investigación (FBI) desde 1978 hasta 1987, donde le ascendieron a director de la Agencia Central de Inteligencia (CIA). En 1991 dejó el puesto y pasó a ser presidente del Consejo Asesor del Departamento de Seguridad Nacional (DHS), cargo que sustenta actualmente. William Webster es el único norteamericano que ha sido director tanto del FBI como de la CIA. El único que ha tenido acceso a archivos confidenciales de ambas instituciones, que sabe todo lo que se hace, de lo que un alto porcentaje se oculta al mundo. ¿Por qué el "Kryptos" dice que el último mensaje de Webster es la localización exacta de "la información" si sigue vivo?

 

William Webster actualmente, con 91 años.

También hay otras cosas que no terminan de encajar en el mensaje. Por ejemplo, el significado exacto de "ID by rows" permanece indeterminado, aunque no se descarta que pudiera tratarse de otro error intencionado para confundir a los criptólogos. Por otra parte, la tercera sección del código utiliza una clave de transposición columnar, que al ser descifrada mostró una paráfrasis del diario del arqueólogo Howard Carter, donde se describe el momento en el que éste abrió la tumba del faraón egipcio Tutankhamón: 

"Slowly, desperatly slowly, the remains of passage debris that encumbered the lower part

of the doorway was removed. With tremling hands I made a tiny breach in the upper left-

hand corner. And then, widening the hole a little, I inserted the candle and peered in. The

hot air escaping from the chamber caused the flame to flicker, but presently details of the room within emerged from the mist. ¿Can you see anything? q"

[Lentamente, con desesperada lentitud, los restos del pasaje que abrumaban aún la parte baja del portal fueron removidos. Con manos trémulas hice una pequeña abertura en la esquina superior derecha. Y luego, ampliando el agujero un poco, inserté una vela y eché una ojeada. El aire caliente escapando de la cámara hizo brillar la flama, pero los detalles internos que presentaba la habitación fueron emergiendo de la bruma. ¿Puedes ver algo? q]

¿Qué sentido tiene que Sanborn haga referencia ahora al descubrimiento del egiptólogo? Tal vez sí tenga sentido teniendo en cuenta la importancia que supuso la exposición al mundo de la tumba de Tutankhamón. Fue el hallazgo más importante de la historia de la egiptología, que dejó al mundo maravillado y gracias al cual se descubrió muchas de las cosas que sabemos hoy en día del Antiguo Egipto. Ahora piense el lector: ¿no estará intentando el "Kryptos" decir que, en el momento en que alguien entre en esa sala subterránea, como entró Carter en la tumba, y vea lo que hay allí ("la información") y la dé a conocer al mundo... nuestra concepción del mismo cambiará para siempre, igual que cambió con ese descubrimiento el 26 de noviembre de 1922?

Famosa fotografía de Howard Carter en el momento del descubrimiento de la momia del faraón Tutankhamón, en el Valle de los Reyes en 1922.

Por último, la cuarta sección del mensaje de la estatua permanece en el misterio, como ha sido en los últimos 23 años. Aunque los documentos de la NSA que se refieren al proceso de descifrado afirman que "las ideas abundan" sobre el posible patrón de la cuarta sección, los 97 caracteres que la componen "siguen eludiendo la solución".

"OBKR

UOXOGHULBSOLIFBBWFLRVQQPRNGKSSO

TWTQSJQSSEKZZWATJKLUDIAWINFBNYP

VTTMZFPKWGDKZXTJCDIGKUHUAUEKCAR"

Sorprendido de que los analistas no hubieran llegado a la solución después de tanto tiempo, en el 2010 Sanborn reveló que seis letras (NYPVTT) del código formaban la palabra "BERLIN", con la esperanza de que esta pista pudiera ayudar a los criptólogos. Sin embargo, aún cuando esta última parte fuese descifrada, aún queda por ver qué es exactamente a lo que se refiere el mensaje: ¿puede ser un secreto guardado en el subsuelo de las instalaciones generales de la CIA o es solamente un elaborado juego de las agencias de inteligencia más poderosas del mundo para mantener a sus empleados ocupados? Sólamente WW y Sanborn saben qué es en realidad.

"People call me an agent of Satan, 

because I won't tell my secret"

James Sanborn, en una entrevista en 2005   

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¿Por qué hemos elegido en esta entrada hablar sobre la obra de arte más misteriosa de los EEUU? Quiero anunciar que, a partir de ahora, Bianor Tours se convierte en KRYPTOS. Cambiamos de nombre, no de identidad. Seguimos haciendo nuestros servicios tanto en el Museo del Prado como en la ciudad de Madrid, centrándonos en el esoterismo que esconden sus obras y sus calles, respectivamente. Así que hoy, 1 de Mayo, nos rebautizamos. Y, puesto que el enigma que supone el "Kryptos" de Sanborn ha sido más o menos revelado, queríamos hacerle este homenaje. No duden en consultar nuestros servicios de visitas guiadas. Gracias. 

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El Bautista, inmortal: Miguel Ángel visita el Prado

Ya podemos ver el famoso "San Juan Bautista, niño" del artista florentino Michelangelo Buonarroti, más conocido como Miguel Ángel. La única escultura del artista en España se mostrará en el Museo durante los dos próximos meses después de su restauración en Florencia. 

En 2004 el Museo del Prado halló, entre los fondos que había legado Pedro Fernández Durán en 1931, dos dibujos de Miguel Ángel, estudios anatómicos para "El Juicio Final" de la Capilla Sixtina. Son las únicas obras del genio renacentista que atesora la pinacoteca. Pero desde hace ya un mes, y hasta el 28 de junio, se sumará a ellos esta escultura del divino Miguel Ángel, en la sala 47 del Edificio Villanueva.

Procedente de la capilla del Salvador de Úbeda, y propiedad de la Fundación Casa Ducal de Medinaceli (propiedad de la Casa de Alba), en Sevilla, este "San Juan Bautista, niño", obra en mármol realizada por el artista en su juventud (1495-1496), fue destrozado en 1936, durante la Guerra Civil, en un acto de vandalismo: lo molieron a palos hasta dejarlo sólo en fragmentos y quemaron la cabeza. Sólo se conservan catorce de los fragmentos originales. 

  

Sacra Capilla del Salvador

La pieza fue llevada a Florencia donde ha sido restituida en un largo y difícil proceso en el Opificio delle Pietre Dure, uno de los más prestigiosos centros de restauración. En junio de 2013 se celebró en Florencia un congreso internacional donde se presentaron las conclusiones del proyecto. Antes de su regreso definitivo a Úbeda permanecerá en el Prado como parte del programa La Obra Invitada, que patrocina la Fundación de Amigos del Museo del Prado. 

La obra fue donada por el duque de Florencia, Cosme I de Medici, a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V, quien la envió a España. Formó parte de su capilla sepulcral en Úbeda, pero en 1936 fue destruida. Cuentan que el asalto a la capilla fue obra de la Sección Ferroviaria de Linares de la CNT. Algunas de las joyas que atesoraba en su interior fueron destruidas: es el caso de un retablo de Berruguete (fue arrancado y quemado) o del propio "San Juan Bautista, niño". El mármol de Carrara del que estaba hecha quedó destrozado y ennegrecido de forma irremediable.

  

Fragmentos del "San Juan Bautista, niño"

En 1994 estos fragmentos llegaron a Florencia, y pasaron en el centro de restauración 19 años. Durante los 17 primeros años no se tocaron, sino que se llevó a cabo una exhaustiva labor de investigación y la búsqueda de un método de trabajo adecuado, lo que no era fácil: las piernas se debían crear con un material moderno que aguantara el peso de los fragmentos originales. Sólo la cadera, lo mejor conservado, pesa 50 kg. A ella hay que añadir 30 más, lo que pesan los restos de la cabeza y el busto. Las partes nuevas no serán de mármol, ya que era preciso distinguir lo que era original de lo que no. 

Ha sido una restitución fiel a la obra de Miguel Ángel: a partir de 17 fotografías antiguas, venidas desde archivos de todo el mundo, se logró tener una vista de la escultura desde casi todos los ángulos, lo que permitió una reconstrucción volumétrica de la pieza en 3D. Se sabía con toda exactitud dónde iba cada fragmento conservado y dónde las piezas nuevas. Realizadas en plexiglás y resina, en su interior tiene una estructura de acero inoxidable. Incluso se previó que en el futuro pudiese aparecer un nuevo fragmento: el proceso es reversible, pues el montaje de la escultura se ha hecho con imanes. Finalmente, se limpiaron los fragmentos originales con láser.

    

"San Juan Bautista, niño" en su ubicación original

Pero, ¿por qué decidió Miguel Ángel representar a San Juan Bautista como un niño, cuando en la Biblia ni siquiera se menciona? La primera vez que tenemos noticia de su existencia es durante la Visitación de María e Isabel. No se vuelve a saber nada de él hasta su encuentro y bautizo de Cristo en el río Jordán. ¿Por qué el maestro representaría una figura que no aparece en la Biblia? En la ruta de Bianor Tours explicamos por qué tantos artistas, no sólo Miguel Ángel, esculpieron y pintaron al Bautista como un niño. También tenemos disponible una ruta para conocer la escultura que completa la colección permanente del Museo del Prado. Un recorrido por la gran desconocida. Si desea más información, no dude en ponerse en contacto con nosotros. Gracias.

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"La Pasión" temporal: Rogier Van der Weyden

La prensa ha titulado a la nueva exposición del Museo del Prado "La Pasión según Rogier Van der Weyden" debido a que las obras que podemos contemplar esta vez hacen referencia precisamente a los momentos finales de la vida de Jesucristo, lo que se conoce como "La Pasión". El Prado reúne por primera vez las mejores obras del pintor flamenco. Rogier Van der Weyden o Roger de la Pasture (dependiendo de si preferimos su denominación flamenca o francesa) era originario de Tournai, una ciudad francófona de Bélgica donde debió nacer entre 1399 y 1400.

"Retrato de un hombre", atribuido autorretrato de Van der Weyden.

Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Los primitivos flamencos, insuperables en la fórmula mágica que mezcla la maestría técnica con el vuelo espiritual, el naturalismo, su capacidad evocadora y su asombrosa matemática geométrica y religiosa; vuelven a instalarse en el Museo del Prado. En realidad nunca se fueron: Brueghel el Viejo o Patinir nunca han abandonado sus salas, por lo que podemos decir que en realidad se trata de un retorno. Más en concreto, el retorno de una de las cumbres de este arte del norte de Europa: el retorno de Van der Weyden.

En la Europa del siglo XV, sólo el magisterio de Jan Van Eyck estuvo (como poco) a su altura. Por supuesto, más adelante vendrían más genios: Brueghel, El Bosco, Rubens, Teniers, Van Dyck... pero no nos adelantemos tanto en el tiempo. Rogier falleció en 1464 en Bruselas, donde fue pintor oficial. También trabajó para los duques de Borgoña. Según su amigo el cardenal Jouffroy, sus cuadros "engalanaron las cortes de todos los reyes." En 1445 el rey Juan II de Castilla (el padre de Isabel la Católica) donó a la Cartuja de Miraflores un tríptico pintado por Weyden. Es el llamado, de forma evidente, "Tríptico de Miraflores", que puede admirarse en esta exposición.

"Tríptico de Miraflores". Museo Estatal de Berlín, Alemania.

Las que en otro tiempo fueron sus obras más conocidas, cuatro enormes tablas alegóricas de la Justicia para el Ayuntamiento de Bruselas, fueron destruidas en 1695 por un incendio. Otros grandes cuadros de su mano, como "El Descendimiento", la "Virgen de Durán" o "El Calvario" se exportaron a España por distintas razones.

Ningún crítico o historiador de arte podrá explicar de manera definitiva y en toda su complejidad todas esas obras. Son piezas que se elevan muy por encima de las circunstancias de la vida cotidiana. Como su coetáneo Jan Van Eyck (fallecido en 1441) debió descubrir siendo todavía joven que, aunque era capaz de pintar el mundo natural con absoluta fidelidad, podía hacer algo más que plasmar una realidad inmediata. Tenía tanta sensibilidad para el tratamiento de las formas y las líneas que sus obras, basadas en armonías geométricas, llamaban la atención de inmediato y quedaban grabadas en la memoria. También sabía manejar el color y las formas abstractas para buscar e intensificar la respuesta emocional del espectador. Podía representar cualquier cosa con gran realismo, pero cuando le convenía ignoraba la ley del espacio y la escala, o desdibujaba la diferencia entre pintura y escultura. Sus obras son tan bellas, ambiguas y fascinantes que obligan a volver a ellas una y otra vez: siempre se descubre algo nuevo.  

"El Descendimiento". Museo Nacional del Prado, Madrid.

"La Virgen de Durán". Museo Nacional del Prado, Madrid.

"Tríptico de los Siete Sacramentos". Museo de Bellas Artes de Amberes, Bélgica.

"El Calvario". San Lorenzo del Escorial, Madrid.

La exposición de apenas 20 obras que la pinacoteca dedica hasta el 28 de Junio a una de las figuras capitales de la Historia del Arte y a algunos de sus discípulos y seguidores constituye un hecho histórico. Primero, por el ilustre pretexto que la originó. La percha de esta pequeña pero subyugante muestra (la primera de carácter monográfico sobre el artista en España) es la restauración de otra de las obras cumbres del maestro flamenco: "El Calvario" del Real Monasterio de San Lorenzo del Escorial. Ha sido devuelto a la vida tras un largo y difícil proceso de restauración que ha llevado cuatro años, en una cooperación entre expertos del Museo del Prado y Patrimonio Nacional. Los restauradores han conseguido que este monumental lienzo de 3,23 x 1,92 reluzca en todo su esplendor. Los detalles de la obra (pintada entre 1457 y 1464) como las lágrimas o la sangre de la frente de Cristo son quizá imperceptibles a simple vista. Pero por eso la visión de ese llanto y esa sangre se hace real en el montaje audiovisual de alta definición (4K) instalado por los comisarios de la muestra. Es imprescindible la visita a esta sala oscura para entender no solo la extrema complicación de un proceso de restauración sino también el trabajo y la obra de Van der Weyden, quintaesencia del detalle a ultranza. 

Los detalles de la sangre y lágrimas del "El Calvario", el estudio arquitectónico y de los personajes secundarios del "Tríptico de los Siete Sacramentos", acompañados de "El Descendimiento", que esconde una de las herejías de Van der Weyden; y del "Tríptico de Miraflores", que vuelve a España desde que en 1810 el general francés Jean Darmagnac se lo llevara de la burgalesa Cartuja de Miraflores y que hoy descansa en el Museo Estatal de Berlín.

"Es la primera vez, y muy probablemente la última, en que se podrán admirar juntas estas cuatro obras." advierte conmovido el comisario de la exposición Lorne Campbell (muy probablemente el mayor experto mundial del artista flamenco). Un hito en el Prado gracias al genio de un artista, a la dedicación de unos restauradores... y al flechazo que sintió un tal Felipe II por la pintura de aquel flamenco de Tournai. En vísperas de la Semana Santa, la Pasión según Rogier Van der Weyden.

Detalle de "El Descendimiento".

Siendo una exposición de estas características, Bianor Tours le invita a contemplar no sólo del arte flamenco de Van der Weyden sino de su entorno artístico: los que vinieron antes y los que llegaron después. Ofrecemos una visita guiada para conocer a Memling, discípulo de Van der Weyden; a Brueghel, a Patinir, al Bosco, a Rubens... el arte flamenco en un recorrido por toda su historia. Si desea más información no dude en ponerse en contacto con nosotros. Gracias.

Un soplo de modernidad entre los vestigios de lo antiguo: Picasso & Museo del Prado

La exposición que podemos admirar ya se titula "10 Picassos del Kunstmuseum Basel", exposición que abandonará la capital madrileña el 14 de Septiembre. Hasta entonces podemos disfrutar de las que son sin duda las diez pinturas más destacadas de las colecciones del artista en el Kunstmuseum en Basilea (Alemania), además de ser diez ejemplos excepcionales de la evolución de su producción. Comienza en el verano de 1906 lo que los expertos de Picasso denominan "periodo ibérico", previo a las investigaciones posteriores del artista que derivarían en su conocido cubismo; y llega hasta 1967, un Picasso final más libre y un tanto melancólico. De esta manera la exposición se convierte también en una  pequeña retrospectiva. A continuación vamos a exponer algunos detalles de las obras que nos servirán de aproximación al trabajo del artista malagueño.

"Los dos hermanos"

Verano de 1906. Lienzo perteneciente a la conocida "etapa rosa". En él, Picasso muestra a un muchacho adolescente que lleva a cuestas a su hermano pequeño. La línea horizontal que separa el suelo ocre de la pared del fondo, en tonos terracota; y una ligera sombra en la zona de los pies que proyecta el muchacho son los únicos indicativos del espacio. La obra posiblemente refleje una escena que el artista pudo ver durante sus vacaciones estivales de 1906 en Gósol, en el Pirineo de Lérida. Allí comenzó el llamado "periodo ibérico", que se extendería hasta finales del año siguiente.  

 

"Hombre, mujer y niño"

Otoño de 1906. Un hombre de pie inclina su cabeza para contemplar absorto a una mujer que sostiene en brazos a un niño, probablemente su hijo, que mira con curiosidad al espectador. La mujer presenta un rostro inexpresivo, ausente. Los rasgos del hombre recuerda a los del propio pintor y a sus autorretratos del 1906. Realizadas únicamente a base de rosas, grises, blancos y negros; las figuras remiten a las formas estilizadas y antinaturales típicas del arte ibérico, que simplificaba los volúmenes y los rostros hasta hacerlos parecer simples máscaras. Curioso que, en griego antiguo, "persona" significase "máscara". 

"Panes y frutero con fruta sobre una mesa"

Óleo de 1908-9. Se trata de un bodegón obtenido como resultado de las modificaciones que Picasso introdujo en una composición con personajes dispuestos alrededor de una mesa plegable, que es lo único que se conserva. Todavía son visibles, entre las patas de la mesa, las piernas del personaje (quizás Cézanne) situado en el lado derecho cuyos brazos se han convertido en barras de pan. Del mismo modo, el frutero lleno de frutas de la izquierda es una sugestiva transformación de la figura de Fernande, la amante de Picasso en aquella época.

"El Aficionado"

Obra de 1912. Tras asistir a una corrida de toros en Nimes, al sur de Francia, Picasso retrata a un característico aficionado a los toros con bigote y sombrero cordobés. En las manos lleva una banderilla y una guitarra; a la derecha hay una botella cerrada con un corcho. Las letras pintadas proporcionan información sobre las aficiones del personaje. Fue este un recurso muy utilizado por Picasso y George Braque (que junto a Juan Gris forman los tres creadores básicos del cubismo) en sus composiciones a partir de 1910. Aquí se percibe ya una evolución hacia formas simples y poco facéticas, que empiezan a alejarse del cubismo analítico.

"Mujer con guitarra"

1911-14. Picasso construye una figura femenina a partir de un conjunto de líneas negras sobre un fondo blanquecino. En el centro de la composición se distinguen sus pechos, mientras que en la parte de abajo se ven las manos, una de las cuales sostiene una guitarra. También utiliza el marrón, rosa, azul o negro para destacar algunas zonas. Esta obra, que el pintor comenzó en Céret y concluyó en París años después pertenece al llamado "cubismo sintético" que Picasso desarrolló entre 1912 y 1914. Como podemos ver, el artista experimentó con estilos dentro de estilos.

"Arlequín sentado"

1923, también conocido como "El pintor Jacinto Salvadó". Picasso retrata aquí a su amigo con un traje que le había regalado Jean Cocteau (poeta, cineasta, dramaturgo y ocultista francés) con el que crearía el ballet Parade. Entre 1901 y 1927 Picasso realizó más de cincuenta cuadros sobre este tema, y él mismo se retrató varias veces como ese personaje de la Commedia dell'arte italiana, muy popular en la pintura europea de vanguardia. Es una obra del periodo neoclásico de Picasso (1917-1924) en el que vuelve a la representación figurativa original. 

Un dato curioso sobre la temática de esta pintura, sobre la que Picasso estuvo tan obsesionado, es que la figura del Arlequín en el Tarot (algo que Cocteau dominaba muy bien) está relacionada con la figura del Loco: representa el espíritu en busca de experiencia, es la audacia y la extravagancia pero también la negligencia y el desequilibrio. ¿Picasso buscaba también experiencia... y su equilibrio?

"Mujer con sombrero sentada en un sillón"

Lienzo más tardío, 1941-42. Representa a Dora Maar, compañera sentimental de Picasso en aquellos años. Aparece sentada en un sillón dee metal con aire distinguido. Su cabeza está dividida en dos partes yuxtapuestas, tan típicamente picassiano: la superior se muestra de frente, con un ojo abierto que mira intensamente al espectador, casi de forma amenazante. La inferior, en cambio, está de perfil y resaltan los labios rojos. Picasso retrató a todas las mujeres de su vida sentadas en un sillón, es un tema que trató en casi trescientas ocasiones. Algo importante significaba para él. 

"Muchachas a la orilla del Sena, según Courbet"

Con esta obra, Picasso rinde homenaje en 1950 al pintor realista francés Gustave Courbet al reinterpretar una de sus obras más conocidas, "Muchachas a la orilla del Sena", una obra del verano de 1857. Mantiene la carga erótica del original de Coubert, que sugería una relación amorosa entre las dos jóvenes aunque introduce levemente esa referencia a un amor prohibido. Fundamentalmente en la figura de la joven en segundo plano, que parece asumir una actitud más vigilante que activa. 

"Venus & Amor"

9 de junio de 1967. Un niño desnudo y sonriente se dirige hacia su madre que se prepara para abrazarle. Aunque ambos carecen de los atributos identificativos típicos, se trata de la diosa del amor de la mitología grecolatina y su hijo Eros/Cupido: un tema frecuente de la producción tardía de Picasso. Posiblemente inspirada en la "Venus del espejo" de Tiziano, es una de las numerosas reinterpretaciones que hace Picasso a partir de 1955 de las obras maestras de los grandes pintores del pasado: Cranach, Velázquez, Delacroix, Manet... 

"La pareja"

10 de junio de 1967. Las actitudes de los protagonistas, un mosquetero con su uniforme típico del siglo XVII y una mujer con los senos descubiertos y una copa en la mano, denotan la tensión sexual subyacente en el ambiente. La obra se ha interpretado como un posible reflejo de la situación personal del propio Picasso, que tenía ya 86 años cuando pintó este lienzo. Es una de las obras que el artista donó en 1967 a la ciudad de Basilea, conmovido por la movilización ciudadana para adquirir otras dos obras suyas depositadas en el Kunstmuseum Basel. 

Aunque la sede indiscutible de Picasso en Madrid es el vecino museo Reina Sofía, podemos ver durante unos meses su trabajo en las salas del Museo del Prado. No en vano Pablo Picasso fue director de la institución y su famoso "Guernica" estuvo expuesto en el pabellón adjunto al Museo del Prado. Así que si quieren conocer más en profundidad esta exposición del maestro malagueño o de los artistas que le inspiraron, no dude en ponerse en contacto con nosotros. Gracias.

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Leonardo Da Vinci & las Sociedades Secretas

"Salvatore Mundi", última obra de Leonardo.

Nessuna cosa si può amare nè odiare, se prima

non si ha cogniton di quella.

[No se puede amar ni odiar nada si antes

no se ha llegado a su conocimiento.

- Leonardo Da Vinci

¿En qué medida el genio indiscutible de Leonardo Da Vinci comulgó con el conocimiento que sólo se otorga a aquellos iniciados en el Misterio? ¿Es posible disociar su obra del misticismo impreso en los símbolos que se presentan en aparente inocencia al espectador? 

Se dice que, siendo niño, Leonardo buscaba ser obsequiado por su padre con objetos por los cuales manifestaba un vivo interés. El progenitor del genio, ser Piero Da Vinci, era notario, canciller y embajador de la República de Florencia; lo que le obligaba a viajar con relativa frecuencia. El problema era que cuando volvía al hogar descubría que el interés que mostraba su hijo había cambiado: que si al irse el niño tenía curiosidad por la vida y el funcionamiento de la naturaleza, al regresar tenía en la mecánica la fuente de su curiosidad, o en los animales mitológicos, o en la historia sacra. Así, aquello que el padre traía consigo (libros, pequeñas máquinas, acaso algún especímen disecado) se revelaba si no inútil, al menos atrasado con respecto a las inquietudes de su hijo, siempre en movimiento, siempre en otra cosa. 

Esta pequeña anécdota familiar nos hace conocer el carácter con el que sería conocido Leonardo a lo largo de toda su vida. La historia puede ser o no cierta, pero sin duda es verosímil. Da Vinci es el paradigma del hombre renacentista, aquel en quien la curiosidad del humanismo se manifestó con mayor autenticidad y provecho.

Sin embargo, también es cierto que esta misma celebridad nos impide ver realmente la obra de Leonardo, tanto la consumada como la que solo proyectó. Sus pinturas y bocetos se han reproducido tantas veces, su genialidad ha sido tan publicitada que parece que ya nada puede sorprendernos cuando hablamos del hombre. Este proceso, sin embargo, no es casual. Parte esencial del misterio es ocultarse en lo que parece obvio y evidente, en esa especie de superficie profunda sólo asequible a los iniciados en el conocimiento específico: "llamad y se os abrirá" , dice el evangelio de Mateo.

Así, Leonardo y su obra son también objeto de una curiosidad que va más allá del humanismo en el sentido neutro, aséptico, que este adquirió con los años. No olvidemos que el Renacimiento es la época inmediatamente posterior al llamado "oscurantismo" de la Edad Media: una forma más bien injusta de denominar todo un periodo del pensamiento europeo cuyo pecado, cuya falta, es no comulgar con los valores del racionalismo que imperaría a partir de los siglos siguientes. En ese sentido, es obvio que la transición no fue límpida ni las nuevas maneras de pensar acabaron instantáneamente con prácticas heredadas del pasado. De esta manera la figura de Leonardo connota cierta iluminación. 

Una muestra del sentido peyorativo 

del término "oscurantismo", por Emilio Zapata

Viene de ahí esa cualidad mistérica, oculta, que en ocasiones se ha atribuido a la obra de Leonardo, ligando parte de su genialidad a un sistema más amplio que toma la forma de una Sociedad Secreta, una comunidad poseedora de un conocimiento que entrega sólo a los probos (como Isaac Newton y su relación con los Rosacruces). Esto que decimos es cierto: Leonardo Da Vinci pintó "La Última Cena", ¿pero ésta sería la misma sin el cúmulo de significados que se agolpa ante el espectador?

Da Vinci, la gran imagen que tenemos de la genialidad omni-abarcante, que se extiende sobre todos los campos con pinceladas luminosas pero cautiva también por su método hasta tal punto que históricamente se le ha atribuido cierta conexión con el misticismo. Las técnicas de Leonardo para maximizar el conocimiento, que hoy podría ser parte de una revista de salud o de ciencia, en una época anterior parecen los frutos de la preclaridad y el ocultismo. Una figura de su inmensidad siempre se recarga de un aura de misterio.

Parte de las conexiones no del todo comprobadas, alimentadas por los best sellers que existen en torno al genio de Leonardo, lo relacionan con dos hermandades: por una parte, los Misterios de Mitra. Por otra, el Priorato de Sión (también llamado El Consorcio).

De la primera, llamada mitraismo y considerada casi una religión, sus orígenes se pierden en la Antigüedad mediterránea. Pero si sobrevivió hasta la época de Leonardo fue por su amplia presencia en la milicia romana y también por los muchos símbolos que lo hermanaron secretamente con el cristianismo. Los soldados de las legiones romanas eran especialmente devotos de Mitra, una divinidad cuyo origen algunos sitúan en Asia Menor. Concretamente en el enigmático pueblo de los hititas, vencedores en un par de ocasiones de los ejércitos faraónicos; aunque igualmente otros lo asocian a un dios védico de la luz.

      

Estatua del dios solar Mitra matando al toro, escultura del siglo II

actualmente en el British Museum, Londres.

Entre las distintas características que definen al mitraísmo, una de las más significativas es que el culto se llevaba a cabo en cavernas naturales o construcciones que las imitaban. En cierta forma este era el vínculo de los grandes misterios de la Antigüedad (como los de Eleusis o los de Isis) que se mantuvieron a lo largo del tiempo (los adamitas del Bosco ya en el siglo XVI). Todos comparten ese rasgo de sustraerse de la mirada de lo común, de llevar a los iniciados y a los Maestros a un rincón apartado pero al mismo tiempo íntimo donde confluyen esas potencias del mundo que rigen de manera invisible el universo. 

Por otra parte, en los misterios de Mitra hay una base simbólica que permitió cierta mímesis con la nueva religión con pretensiones de hegemonía: el cristianismo. Como en esos trabajos artesanales de los pueblos conquistados donde bajo los rasgos de la nueva deidad se disimulan los de la antigua, así el mitraísmo pareció asimilarse con los seguidores de Jesús, gracias a circunstancias como que ambos pueblos creían en un ser salvador, en la transposición de la carne y la sangre de la víctima sacrificada en pan y en vino o (como también en el caso de Isis y Horus), el nacimiento de un hombre del vientre de una virgen. También su muerte y su resurrección además de otros detalles menos trascendentes como la consagración del domingo como día dedicado al culto de la divinidad o la de la principal festividad de esta el 25 de diciembre. Pero estos detalles aparentemente menos relevantes son igual de importantes en la práctica al momento de asegurar el paso más o menos indemne del conocimiento custodiado al nuevo suelo donde florecerán sus semillas.

Por otro lado, en el caso del Priorato de Sión, se trata de una sociedad que también plantea un desafío a los límites de la realidad y la fantasía, de la historia y el mito. Algunos sitúan su fundación en la década de 1950 en Francia por Pierre Plantard, un dibujante que bosquejó la historia de la cofradía con supuestos fines lúdicos, sembrando el interrogante sobre la realidad de su existencia. ¿Pero acaso no es la broma, la ficción, una de las mejores estrategias para ocultar una verdad y un asunto serio? "Con el anzuelo de la mentira pescarás la carpa de la verdad" escribió Shakespeare en Hamlet. ¿Nunca ha existido y nunca existirá, como decía Borges?
Lo interesante del Priorato de Sión es que dentro del tejido de la mitología esotérica se considera que una de sus principales misiones fue preservar el Santo Grial, el recipiente donde según la leyenda José de Arimatea recogió la sangre de Cristo. Solo que esto no debe tomarse en sentido literal, sino metafórico: el Santo Grial es, dentro de la simbología del Priorato, el vientre de una mujer donde se guardó efectivamente la sangre del Salvador, que es otra forma de llamar a su descendencia. Según esta genealogía la dinastía de los Merovingios, una de las 4 grandes y emblemáticas dinastías del trono de Francia (junto a los Carolingios, los Capeto y los Borbones) son herederos directos de Cristo, hijos después de varias generaciones de Jesús y María Magdalena; y por tanto, del rey David.

                              
   Emblema del Priorato de Sión, con                                  
  especial relevancia de la Flor de Lis.                                   Dinastía de los Merovingios

De esta manera el Santo Grial (es decir, la copa) se convierte en el símbolo primigenio del triángulo invertido, que se asocia con el útero de la mujer. En este caso, de María Magdalena. Según la mitología del Priorato, cuando Jesús fue crucificado la Magdalena llevaba en su vientre al hijo de ambos. Para impedir que el ejército romano también diese muerte al niño, la joven María huyó en compañía de ciertos discípulos (el Priorato original) y llegó a las costas de Marsella (lo que explicaría que su culto esté tan extendido en esa región). Allí, a orillas del mar daría a luz a su hija, Sara; y comenzaría la estirpe merovingia que se pierde en el tiempo.

En el sistema jerárquico del Priorato de Sión (fantasía o historia secreta) la lista de los Grandes Maestros incluyen nombres como René d'Anjou (rey de Nápoles), Robert Fludd (eminente médico, astrólogo y místico inglés), Isaac Newton, Claude Debussy (compositor francés de la talla de Ravel) o Jean Cocteau (artista, ocultista y cineasta francés), destacando por supuesto el de Leonardo Da Vinci. Todos ellos tienen en común la marca de la genialidad, pero comprenden una lista tan dispar que evoca una sociedad más parecida a la Liga Fantástica que a las logias masónicas. 

Por esta razón, y en este punto, la pregunta es en qué medida el talento de Leonardo Da Vinci participó de ese conocimiento reservado que da sentido a la existencia de una sociedad secreta. En qué medida también buscó transmitirlo por medio de sus obras, como el Maestro que susurra al oído del iniciado las palabras que este debe entender en ese momento determinado, manifestando en sus pinturas una armonía divina o dejando tal vez en sus investigaciones una especie de código secreto. Bien es cierto que los documentos oficiales que redactaba Leonardo los escribía de izquierda a derecha. Sin embargo, los cuadernos con sus investigaciones están escritos de derecha a izquierda y al revés, conseguido con ayuda de un espejo, la llamada escritura especular. ¿Por qué lo hacía? Podemos ver a continuación un ejemplo, centrado en el vuelo de las aves.

Se dice que cuando los soldados romanos destruyeron el Templo de Salomón en Jerusalén y llegaron hasta el Sancta Sanctorum (el lugar más sagrado), ahí donde se resguardaba, entre otros tesoros, el Arca de la Alianza (el puente de comunicación entre Yahvé y el pueblo elegido); encontraron este último recinto vacío. La Sabiduría ya no estaba allí, sino en la memoria de quienes habían huido con la consigna de preservarla. ¿Fue Leonardo obsequiado con ese conocimiento? Y en ese caso, ¿fue su misión acelerar el conocimiento para avanzar en un proyecto de ilustración mundial, símbolo de una divinidad racional? Tal vez nunca lo sepamos, pero se ha estimado que si Newton o Galileo hubiesen tenido acceso a los trabajos de Leonardo sobre, por ejemplo, las lentes; la historia de la ciencia habría dado un salto de una década o quizás más. También añade misterio a la figura de Leonardo el reciente descubrimiento de un código alfanumérico en los ojos de su más famoso retrato: "La Gioconda". "A simple vista los símbolos son invisibles pero con una lupa pueden verse claramente" afirma Silvano Vicenti, un miembro del comité de expertos. En el ojo derecho se encuentran las iniciales LV, presumiblemente aludiendo al nombre del autor; mientras que en el ojo izquierdo se perciben diversos símbolos que aún no han sido identificados por los estudiosos. "Es muy difícil determinar con claridad lo que son, al parecer son unas letras CE o podría ser una B; hay que recordar que este retrato tiene casi 500 años y los trazos ya no están tan definidos como cuando fue pintada. También encontramos un 72 en el arco del puente que se encuentra en segundo plano, pero también podría ser una letra L y un número 2", agregó Vicenti. 

En conclusión, no se trata solo de resaltar el cariz esotérico del gran artista florentino sino, de momento, hacer ver que durante el Renacimiento eso que echamos cómodamente al cajón de las "doctrinas secretas" era el pan de cada día. La figura de Da Vinci es inabarcable y fascinante, al igual que el hermetismo neoplatónico y la alquimia de su época. Quizá como ocurre con las teorías de la conspiración, postular que Da Vinci fue parte de una sociedad secreta o que su genio proviene de algún tipo de disciplina esotérica sea sólo una forma de entender aquello que nos parece insondable y que necesitamos incrustar en una trama que se ajuste a nuestras expectativas de lo que conforma la sociedad. Pero por otra parte, también es históricamente irrefutable que grandes personalidades como Isaac Newton se alimentaron de manera primordial de la magia, la alquimia y la masonería.

Por desgracia, en el Museo del Prado no podemos disfrutar de ninguna obra de Leonardo Da Vinci. Sin embargo, sí podemos contemplar en una de sus salas la famosa hermana de la Mona Lisa, la llamada "Gioconda del Prado". Es evidentemente una copia de la original, como tantas otras. Lo que la hace tan especial es que esta, que se encontraba en el Depósito del Museo del Prado desde su inauguración en 1819, perteneciente a las Colecciones Reales, fue pintada al mismo tiempo y en el mismo taller que la original, por un alumno de Da Vinci. No se sabe a ciencia cierta quién pudo ser, pero la calidad de la madera y los colores utilizados nos dicen que debió de ser alguien muy cercano a Leonardo, quizá Francesco Melzi o Andrea Salai (uno de los amantes del maestro). ¿Por qué Leonardo deseó y permitió que Melzi o Salai (o cualquier otro) se sentase a su lado y pintase a la vez que él el mismo tema? Misterio.

A la izquiera, "La Gioconda" original de Leonardo.

A la derecha, la réplica de uno de sus alumnos.

Sin embargo, hay un detalle extraño. La mujer retratada por Leonardo, la supuesta Lisa Gherardini, esposa del rico comerciante florentino Francesco del Giocondo; parece tener una edad en torno a los 30 o 35 años. Sin embargo, el retrato que se conserva en Madrid nos presenta a una joven que no aparenta tener más de veinte. Si se pintaron al mismo tiempo y en el mismo lugar, ¿podrían ser madre e hija? En lo que a esta pintura se refiere, todo son misterios. También hay quien defiende que la retratada es Lucrezia Borgia, hija del Papa Alejandro VI y que Leonardo Da Vinci tuvo la oportunidad de retratar cuando estuvo sirviendo como ingeniero militar en la Romagna al hermano de la modelo, César. E incluso ha identificado el paisaje de fondo con el curso alto del río Arno, perteneciente a esta región. También hay quien afirma que en realidad, lo que Leonardo plasmó en este lienzo ni más ni menos que el recuerdo de juventud que el joven artista tenía de su madre Caterina, una esclava traída en contra de su voluntad desde Constantinopla. 

La figura de Leonardo, como hemos dicho antes, está plagada de misterio y misticismo. Un dato curioso y a la vez intrigante es que en el marco de la Segunda Guerra Mundial, los aliados escondieron el famoso retrato de Leonardo Da Vinci adulto debido a que Hitler lo buscaba desesperadamente. Según informes de la Ahnenerbe, también llamada Sociedad Thule (una división especial de las SS especializada en el ocultismo), el famoso retrato del maestro florentino haría que, junto con otras custodias como la Lanza de Longinos o el Necromicrón, Adolf Hitler alcanzase el dominio de Europa y la supremacía de la raza aria.

Llegados a este punto podemos preguntarnos, ¿quién fue en realidad Leonardo Da Vinci?

Nada es verdad. Todo está permitido. 

¿Qué nos depara el futuro?

Esta vez vamos a hablar de las futuras exposiciones que el Museo del Prado tiene preparadas. La primera que podremos ver, del 3 de Marzo al 31 de Mayo, es "La Obra Invitada": Custodia de la Iglesia de San Ignacio de Bogotá. Conocida popularmente como "La Lechuga" por el verde de sus esmeraldas, es un tesoro del arte barroco elaborado en la entonces Nueva Granada por el orfebre José Galaz. La obra contiene 1.485 esmeraldas, 1 zafiro, 13 rubíes, 28 diamantes, 62 perlas barrocas y 168 amatistas. No sólo se le considera una de las joyas religiosas más ricas y hermosas de Hispanoamérica, sino que es el testimonio de lo que sucedió durante el Barroco en una tierra de orfebres, de cómo este estilo artístico encontró nuevas dimensiones en un territorio en el que abundaban el oro y las esmeraldas y en el que aún estaba viva la cultura indígena de los más destacados orfebres del continente. 
Dentro de la cantidad de piezas de oro y plata para servir al culto católico que se desarrollaron durante el periodo colonial sobresalen las custodias, cuyo fin era presentar la hostia consagrada a los fieles. Las custodias forman parte del ritual litúrgico y son exhibidas durante la procesión del Corpus Christi. Lo que resulta curioso es que en América se prefirió elaborar las custodias en forma circular y rayos ondulantes (como "La Lechuga") dotándolas de un carácter simbólico en relación al Sol. Dato curioso, teniendo en cuenta la profunda tradición pagana del continente americano en relación con la mitología solar; como por ejemplo la ceremonia del Nuevo Sol mesoamericana.

                                                                     

             "La Lechuga"

Por otra parte podremos disfrutar, del 18 de Marzo al 14 de Septiembre, de los "Diez picassos del Kunstmuseum Basel". Debido a las reformas que se llevarán a cabo a lo largo de este año en su sede, podemos disfrutar de estas diez pinturas del maestro malagueño. Están fechadas entre 1906 y 1967, formando una pequeña retrospectiva del artista que se podrá contemplar junto a otras obras maestras del Museo. El proyecto forma parte de un acuerdo de colaboración global del Kunstmuseum Basel con el Museo del Prado así como con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde también se presentará una selección de obras procedentes del museo suizo. 
Sobre Picasso, no todo en su vida fue pintura. Aparte de la curiosidad de que el nombre completo del pintor constaba de 23 palabras o que se afilió al Partido Comunista Francés, Picasso sentía una fuerte devoción, como es lógico, por sus pinturas. Su familia cuenta que siendo ya un artista consagrado, compraba castillos y completaba sus habitaciones con sus obras. Una vez que las paredes de un castillo estaban llenas, compraba otro palacete y comenzaba a completar esta galería privada nuevamente. ¿Podía permitírselo? Sin duda. El libro de los récords Guinness nombró a Picasso como el artista más prolífico del mundo: su colección cuenta con aproximadamente 13.500 pinturas, 100.000 impresiones, 34.000 ilustraciones y 300 esculturas. 

"Femme aux chapeaux", Pablo Picasso

Del 24 de Marzo al 28 de Junio podremos ver en el Edificio Jerónimos una pequeña exposición sobre uno de los mejores artistas flamencos: "Rogier van der Weyden". Esta exposición se realiza con motivo de la restauración del gran "Calvario" de El Escorial, que se llevará a cabo en los talleres del Museo del Prado como parte de una colaboración entre el Museo y Patrimonio Nacional. 

La exposición será una oportunidad única para contemplar el "Calvario", el "Descendimiento de la Cruz" y la "Virgen de Durán" juntas, con otras obras del pintor flamenco que ya estuvieron en España como el célebre "Trítico de Miraflores" de la Cartuja de Miraflores y hoy en día en el Museo de Berlín. De esta forma la exposición permitirá apreciar no sólo las mejores obras del artista perfectamente documentadas sino también diversos aspectos de la creación artística del maestro, la fuerte relación de sus obras con la escultura o la gran influencia posterior que tuvo su arte y su repercusión en España.
Pero, ¿qué tiene de especial Weyden? En 1430 extrañamente comienza a interesarse por los episodios de la Pasión de Cristo. Sus composiciones se vuelven de colores fríos, con un sentimiento religioso trágico. Pero en realidad Weyden, como todos los artistas, plasmó sus propios pensamientos camuflados en sus obras. El artista creía que Jesucristo sufrió la Pasión y fue crucificado... pero que no murió en la cruz. Y no sólo eso: pensaba que antes de ser perseguido por los romanos se había casado con María la Magdalena. ¿Mito o realidad? 

"El Calvario", Rogier van der Weyden

Y por último, para disfrutar del 31 de Marzo al 28 de Junio tendremos "La Obra Invitada": San Juan Bautista, niño, de Miguel Ángel. Es la única escultura del artista florentino que se encuentra en España. Se trata de una obra de juventud, anterior a "La Piedad" del Vaticano y a los frescos de la Capilla Sixtina. La escultura fue donada por el Duque de Florencia Cosme I de Medici a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V. Cobos la envió a España, a su villa de Sabiote (Jaén) pasando a enriquecer tras su muerte la capilla sepulcral que mandó construir en su ciudad natal de Úbeda. La escultura se expone desde el siglo XVI en la capilla del Salvador de Úbeda en Jaén, y fue recuperada por la bibliografía artística en 1930 como obra de Miguel Ángel. 
Entre las curiosidades que envuelven la vida de Miguel Ángel cabe destacar el hecho de que él mismo, al ser preguntado sobre su habilidad para tallar la piedra, decía que su vena artística la había "succionado de la leche materna de mi nodriza". Miguel Ángel tuvo una nodriza cuyo marido era picapedrero, y según el artista había bebido tanto de la leche materna como de los martillos y cinceles de los que más tarde sería un experto.  

 

"San Juan Bautista, niño", Miguel Ángel

Recordamos que BIANOR TOURS dispone también de visitas guiadas por todas las exposiciones temporales además de la colección permanente y comentarios sobre las obras invitadas. Para más información contacte con nosotros en el tlf. 609988206, en nuestro twitter @BianorTours o en nuestra página www.bianortours.es. Gracias.

Tocando el Prado

Desde el día 20 de enero hasta el 28 de junio, el Museo del Prado presenta al público la exposición "Hoy toca el Prado". Con el patrocinio de la Fundación AXA y con la colaboración de la ONCE, se trata de la primera iniciativa accesible a personas con discapacidad visual a través de la innovación y la tecnología. Gracias a ellas seis obras, representativas de los diferentes géneros del Museo, pueden ser tocadas por los visitantes.
Desarrollado con la colaboración de profesionales con discapacidad visual, este proyecto permite percibir la realidad de la pintura representada para recrearla mentalmente en su conjunto y lograr una percepción emocional de la obra. Además de las imágenes tridimensionales la exposición cuenta con material didáctico adicional como textos en braille, audioguías gratuitas y gafas opacas de cartón para facilitar la experiencia a los videntes plenos.

Las 6 obras con las que cuenta la exposición son:

1. Noli me tangere, Correggio (1525)

2. La Fragua de Vulcano, Velázquez (1630)

3. El Quitasol, Goya (1777)

4. La Gioconda, taller de Leonardo Da Vinci (1503-1519)

5. El Caballero de la mano en el pecho, El Greco (1580)

6. Bodegón, Juan van der Hamen (1627)

En el caso de los dos retratos y el bodegón, la escala que han utilizado los expertos es la 1:1, es decir, son reproducciones a escala real. Así describe Fernando Pérez, comisario de la exposición, que "al tocar el tulipán tiene el tamaño de un tulipán real o que la mano del Caballero es parecida a nuestra mano." Resalta también lo imprescindible de las explicaciones de la audioguía para el recorrido táctil: indica dónde debemos poner nuestras manos y el recorrido que debemos hacer para ir descubriendo las distintas figuras.

El éxito de la exposición se puede palpar en su primera semana, en la que muchas personas ciegas ya la han visitado. Por ejemplo, Carlos Galindo dice de "La Gioconda": "la cara es fácilmente reconocible con las manos: los ojos, la boca... puedes tocarla e identificarla rápidamente. Pero por ejemplo los brazos no los encontraba, así que sí se necesita de la audioguía que te vaya comentando cosas para tú poderlas distinguir, porque no es lo mismo un golpe de vista que el tacto poquito a poco." Ya son muchos los que se han acercado al Museo para disfrutar del Arte tocando algunas de sus obras más famosas.

 

                                 

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Esta exposición puede encontrarse en la Galería Norte de la Planta 0 del Edificio Villanueva. En esta ocasión, Bianor Tours no ofrece una visita guiada por la exposición debido a la audioguía gratuita que se obtiene al comienzo de la misma. No obstante, si desean información sobre nuestros recorridos, no duden en ponerse en contacto con nosotros. Gracias. 

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